header i-Italy

Articles by: Monica Straniero

  • Arte e Cultura

    Il parassitismo vince agli Oscar 2020

    Il film di Bong Joon-ho su una famiglia a basso reddito che si infiltra in una benestante, si è portato a casa anche il premio come Miglior sceneggiatura, Miglior regia e Miglior film straniero. “Pensavo che, dopo aver vinto come miglior film internazionale, la serata fosse finita”, ha detto il regista visibilmente sorpreso ed emozionato. “Mi stavo rilassando, grazie mille. Quando ero giovane si diceva: più si è personali, più si è creativi. Una citazione del grande Martin Scorsese. E quando qui negli Stati Uniti mi dicevano di non conoscere i miei film, Quentin Tarantino li metteva tra i suoi preferiti. Vorrei avere una motosega e condividere questo Oscar con tutti voi".

    L’Academy ha voluto così inaugurare un cambio di rotta premiando per la prima volta un film non in lingua inglese e compiendo un ulteriore passo avanti verso l'inclusività. La realtà distopica di Parasite, dove da una parte c’è la città povera e fatiscente, attraversata da vicoli sporchi nei quali, in un seminterrato, vive la povera e sgarrupata famiglia Kim, dall’altra, invece, l’avveniristica casa dei Park, mostra abbondantemente gli effetti della diffusione del capitalismo in termini di disgregazione sociale e forti disuguaglianze. Una storia universale che sembra aver convinto i recalcitranti membri dell’Academy a prendere coscienza dell’attuale situazione globale dove nel disperato tentativo di accaparrarsi una fetta del prodotto sociale la soluzione più immediata è quella del parassitismo, una cultura immorale di tipo trasversale che coinvolge i poveri quanto i ricchi.

    Parasite, nel film c'è la canzone di Gianni Morandi, "In ginocchio da te", ha battuto, Ford v Ferrari, The Irishman, Marriage Story, Little Women, 1917, C'era una volta a Hollywood, Jojo Rabbit e il grande favorito Joker. Il film di Todd Phillips è arrivato agli Oscar con ben 11 candidature, frutto di una scelta democratica che i giurati hanno dovuto compiere non potendo ignorare che la discesa di Arthur Fleck nel vortice della follia fino alla trasformazione nel sanguinoso clown rappresenta ad oggi il più alto incasso della storia tout court. 

    Perché Joker è un film disturbante, violento. Qualcuno all’Academy l’ha persino definito un incitamento e una celebrazione dell’omicidio. Premiarlo come miglior film avrebbe significato mettere l’America di fronte agli elementi più perversi della sua società. Rimane il fatto che Joker è stato il primo cinecomic DC a ricevere una nomination come Miglior Film. Ad Arthur Fleck, interpretato da Joaquin Phoenix, va il premio ampiamento meritato come miglior attore. Nel suo discorso, Phoenix ha lanciato un appello a lottare a favore dei "diritti" contro «le diseguaglianze di genere, il razzismo, o la discriminazione Lgbt». «Siamo così disconnessi dalla natura, con un punto di vista egocentrico - ha sottolineato - che andiamo nella natura e la distruggiamo. Commettiamo crimini contro gli animali. Abbiamo paura dell'idea di cambiare, ma dovremmo usare l'amore e la compassione come principi di guida».

    Gli altri film e il premio a Renée Zellweger per Judy. 1917,  favorito alla vigilia, vince tre Oscar (fotografia, sonoro ed effetti speciali). A due Oscar si fermano Joker (oltre a Phoenix come miglior attore, c’è la colonna sonora dell’islandese Hildur Guðnadóttir); C’era una volta ad Hollywood (Brad Pitt come miglior attore non protagonista e production design). Due Oscar come montaggio e sound editing per Ford vs. Ferrari di James Mangold. Un Oscar per Marriage Story di Noah Baumbach (Laura Dern come attrice non protagonista); Piccole donne (costumi) e Bombshell (trucco).

  • Art & Culture

    The Elena Ferrante Phenomenon Returns to the Small Screen

    The second season of My Brilliant Friend, the television show directed by Saverio Costanzo and based on Elena Ferrante’s best-selling saga, will be shown in Italian theatres on January 27, 28, and 29. 

     

    The first season, a hit both in Italy and abroad, tells of the friendship between Lila and Lenù (the nickanames of Raffaella Cerullo and Elena Greco), which begins during their childhood in a popular Neapolitan neighborhood in the 60s and follows them throughout most of their lives. From 1950 to 2010, from 6 to 66 years of age. Their relationship is what holds the story together, a friendship that drifts and reunites throughout the years, at times tainted by rivalry and competition. 

     

    Saverio Costanzo, along with Alice Rohrwacher - who was called to direct episodes 4 and 5, knows how give the show a slow but consistent rhythm, bringing to a boil the terrible amalgamation of envy upon which the friendship between two oppressed women in search of their emancipation is inevitably built. Love and resentment, openness and egoism, confessions and secrets, cohabitation and detachment all follow each other, intertwining throughout their tempentuous relationship.   

     

    The direction makes sure to adopt a female perspective that reveals the ferocity faced by women without confininh them to the stereotypical role of victims, without turning the narrative into a pathetic sob story. In the second season, we follow Lila and Lenù’s youth. The two friends vacation in Ischia where they have an encounter that will forever change both of their lives, projecting them on different paths.

     

    One of the show’s most impressive aspects is Costanzo reconstruction of the Neapolitan context. The backdrop is the Naples of the boom years, before urbanisation and industrilization, a reality in which the archaic and the contemporary coexist and mix.  

     

    A great European metropolis, where faith in technology, in science, in economic development soon proved to be completely unfounded. Elena and Lila’s initiation defines their relationship - before anything else - as an oath of solidarity against the violence of their neighborhood, the Luzzati Rione. 

     

    However, the novelty and power of the second season - as of the first one - is Costanzo’s courage and creative intelligence in managing to sabotage the genre’s serial nature: the episodes remain open-ended, the assassins or kidnappers aren’t found, the disappearences remain unexplained. A sour and uncomfortable tale, which manages to grasp a collective feeling, the need for a narrative that can show us the dark innerworkings of our contemporary existence.

  • Arte e Cultura

    Il fenomeno Elena Ferrante torna sul grande schermo

    Nei cinema il 27, 28 e 29 gennaio, la seconda stagione de L’amica geniale - storia del nuovo cognome. La serie diretta da Saverio Costanzo è tratta dall’omonima saga-bestseller scritta da Elena Ferrante.

    La prima stagione, così come la tetralogia da cui è tratta, un grande successo in Italia e all’estero, racconta dell’amicizia di Lila e Lenù (i cui soprannomi stanno per Raffaella Cerullo e Elena Greco) che nasce durante la loro infanzia in un rione popolare della Napoli degli anni Sessanta e le accompagna per gran parte della loro vita, dal 1950 al 2010 (dai sei ai sessantasei anni di entrambe). Il collante della storia è proprio la loro relazione, un’amicizia che si perde e si ritrova negli anni, e che a volte si tinge anche di rivalità e di competizione. 

    Savero Costanzo, assieme ad Alice Rohrwacher - chiamata a girare gli episodi 4 e 5, sa infondere al suo film un ritmo lento ma costante, capace di esplodere l’amalgama terribile di invidia da cui l’amicizia tra due donne, due dominate in cerca della loro emancipazione, inevitabilmente è costituita. Amore e astio, slanci ed egoismi, confessioni e segreti, convivenze e distacchi si succedono e si intrecciano durante la loro relazione tempestosa.

    La regia si rivela sensibile a dare vita ad un punto di vista femminile in grado di nominare la ferocia cui le donne sono sottoposte senza ridurle al ruolo stereotipato delle vittime, senza fare della narrazione che le racconta una vicenda patetica e lacrimevole. Nella seconda stagione seguiamo la piena giovinezza di Lila e Lenù. Le due amiche in vacanza a Ischia faranno un incontro che cambierà per sempre le rispettive vite, proiettandole in mondi completamenti diversi.

    Uno degli aspetti più impressionanti della serie è la ricreazione di Costanzo del contesto napoletano. Lo sfondo è la Napoli degli anni del boom, prima dell'urbanizzazione e dell'industrializzazione, un mondo nel quale arcaico e contemporaneo convivono e si mescolano l’uno nell’altro.

    Una grande metropoli europea dove con maggiore chiarezza la fiducia nelle tecniche, nella scienza, nello sviluppo economico si era rivelata con largo anticipo del tutto priva di fondamento. Il rito di iniziazione tra Elena e Lila definisce la loro amicizia prima di tutto come un patto di solidarietà per resistere alla violenza del loro quartiere, il rione Luzzatti. 

    Tuttavia la novità e la forza della seconda serie così come della prima è il coraggio e l’intelligenza creativa di Costanzo di riuscire a sabotare la serialità del genere di consumo: i finali degli episodi non chiudono, gli assassini o i rapitori non si trovano, le sparizioni non si spiegano. Una favola aspra e scomoda in grado di cogliere un sentimento collettivo, il bisogno di una narrazione che ci mostri dall’interno il nucleo oscuro della nostra contemporaneità.

  • Art & Culture

    ‘Figli,’ The Drama of Parenthood in Italy

    “Figli” is the comical and moving story of a couple, two people in love who try to resist the impact of parenthood during a chaotic time in a country where everything seems to be conspiring against the family institution. Paola Cortellesi is Sara, she is a restaurant health inspector, she has a six-year-old daughter, Anna, and she loves her husband, Nicola. Valerio Mastandrea is Nicola, he owns a salmon shop. The arrival of their second son, Pietro, disrupts the entire family dynamic. 

     

    It should have been the third film by Mattia Torre, the brilliant auteur who prematurely passed away in 2019. “Mattia called me because he needed a director who would support him but with whom he also had a personal connection,” Giuseppe Bonito revealed.

     

    The film is based off of the monologue “Children Age,” which went viral thanks to Mastandrea’s passionate interpretation. Because, as Mattia Torre recounts, “Children age. But they’re not the ones who age, they make you age. Children age you because you spend the day bending over them and your spine takes on that posture. Because you speak slowly so they can understand you and it ends up slowing you down. Because they give you illnesses that their own immune system defeats in a matter of days while it takes yours weeks. Because they deprive you of sleep forever.”

     

    Produced by Vision Distribution along with Wildiside and The Apartment, “Figli” is a mirror onto each of our lives. An existence disrupted by the arrival of a child, lack of sleep, a pediatrician/guru, that horrible high school chat group, in-laws, Sundays, the economic crisis. And so the audience identifies with both parents, mother and father.

     

    “Figli” paints the portrait of a country in which older people hold the power and would have the strength to rebel if they wanted to, while people in their 40s often live in situations of great job instability, which put future projects and aspirations on hold. And even hinder their deepest personal desires of fulfilment. Mattia Torre clearly calls out Italian institutions for being unable to come up with effective policies to promote birth rates and support families.  

     

    A complete film, with various narrative layers all held together by knowledgeable writing. You laugh but at a certain point the realism turns sour, tragic even. Tired of today’s society which still doesn’t allow women to distance themselves from their traditionally assigned role, while men feel like superheroes for buying groceries, cooking, cleaning, taking care of their various family members, all while having a job.

     

    “In our country, the image of the mother is still tied to the idea that a woman should give up everything for her children,” Mastandrea concludes, “we have to combat this ideology and realize that being a parent is not a point of arrival but one of passage.”

  • Arte e Cultura

    Figli, la crisi dei 40enni in Italia

    "Figli" è la storia, comica e commovente, di una coppia, di due persone che si amano e che provano a reggere all'onda d'urto della genitorialità in un tempo caotico e in un Paese dove sembra che tutto cospiri contro il nucleo famigliare. Paola Cortellesi è Sara, è un ispettore sanitario nei ristoranti, ha una bambina di sei anni Anna, e un marito che ama, Nicola. Valerio Mastandrea è Nicola, ha una salmoneria. L’arrivo del secondo figlio, Pietro, sconvolge gli equilibri di tutta la famiglia.

    Sarebbe dovuto essere il terzo film girato dal regista Mattia Torre, geniale autore prematuramente scomparso nel 2019. “Mattia mi ha chiamato perché aveva bisogno di un regista che facesse da sostegno, ma che avesse anche con lui qualche legame personale”, ha rivelato Giuseppe Bonito.

    Il film è tratto dal monologo “I figli invecchiano”, diventato virale grazie all’appassionata interpretazione dello stesso Mastandrea. Perché come racconta Mattia Torre: “I figli invecchiano. Ma non invecchiano loro. Invecchiano te. I figli ti invecchiano perché passi le giornate curvo su di loro e la colonna prende per buona quella postura. Perché parli lentamente affinché capiscano quello che dici e questo finisce per rallentarti. Perché ti trasmettono malattie che il loro sistema immunitario sconfigge in pochi giorni e il tuo in settimane. Perché ti tolgono il sonno per sempre”.

    “Figli”, prodotto da Vision Distribution insieme a Wildiside e The Apartment, è lo specchio della vita di tutti noi. L'esistenza stravolta dall'arrivo di un figlio, la mancanza di sonno, la pediatra guru, le terribili chat di classe, i suoceri, le domeniche, la crisi. Così lo spettatore si identifica in ambedue i ruoli della coppia, padre e madre.

    “Figli” è il ritratto di un paese dove se da una parte sono gli anziani a detenere il potere e ad avere la forza di compiere, se lo volessero, un colpo di stato, dall’altra troviamo una generazione di 40enni che vive spesso situazioni lavorative di grande precarietà, che frenano progetti e aspettative per il futuro. Incidendo profondamente anche sui desideri di realizzazione personale più intimi. Italia. Mattia Torre lancia così un chiaro atto di accusa nei confronti delle istituzioni, incapaci di pensare a politiche a sostegno della natalità e della famiglia davvero incisive.

    Un film composito che raccoglie al suo interno vari strati narrativi, tenuti assieme dal collante di una scrittura sapiente. Si ride ma un certo punto il realismo si fa mordente, persino tragico. Uno sguardo stanco della società di oggi che impedisce alle donne il distacco dal ruolo tradizionale loro assegnato mentre gli uomini si sentono dei supereroi a fare la spesa, cucinare, pulire, prendersi cura delle necessità dei vari componenti della famiglia, e conciliare tutto con il lavoro.

    Nel nostro Paese l'immagine della madre si riconduce all'idea che una donna debba rinunciare a tutto per i figli – conclude Mastandrea - ecco, dobbiamo combattere questa ideologia e renderci conto che essere genitori non è un punto di arrivo, ma un passaggio.

     

  • Art & Culture

    Hammamet, the Last Craxi

    “Hammamet,” the new film by Gianni Amelio, tells the story of the final months of the life of socialist leader Bettino Craxi, known in the States for the Crisis of Sigonella, when he refused to give over to the Americans the Palestinian hijakers of the Achille Lauro cruise ship, who were then tried and condemned in Italy. Pierfrancesco Favino transcends all limits in terms of presence, acting abilities and in replicating the voice and movements of the former Prime Minister. 

     

    “But it isn’t a biography of Craxi,” as the director claims. “Hammamet is not a partisan film, but the human tale of a man who has reached the apex of power and now has to come to terms with himself and with that feeling of abandonment and solitude that overcomes those who know the end is near. The melodrama aspect imposes itself on the historical revisitation, unfolding the former Prime Minister’s inner struggles. The name of Craxi is never mentioned in the movie. 

     

    The truth of the facts is left outside of Hammamet’s villa, stored in judicial archives. The fall of the king is told through the clash with his daughter - Stefania in real life but Anita in the film, the name of Garibaldi’s partner - who wants to fight for him. With politics out of the way, or ruled by exchanges with anonymous politicians in which most things remain unsaid, we are left with an ill man, devoured by rage and by ambiguity towards a country by which he feels abandoned, left alone with his ghosts in a country that could not provide him with the adequate care for his serious ailments. That Italy of which Craxi could only glimpse the coast from the beaches of the Tunisian city where he found refuge in 1994.

     

    Amelio’s “neither exiled, nor fugitive” Craxi appears to gradually lose grasp of reality, crying out his reasons as if they were absolute and absolvent. The director stays clear from providing explanations of why the Secretary of the Italian Socialist Party was involved in the Mani Pulite scandal and condemned twice in Italy. He abstains from making judgements on his way of conducting politics, which remains to this day the topic of heated debates. 

     

    He favors an incomplete view of a still highly controversial figure in Italian history, which could turn the noses of both those hoping for some sort of redemption and those who, on the other hand, want an unconditional condemnation. “I made the film I wanted to make,” Amelio concludes “not a propaganda poster.” 

     

    The film comes 20 years after the death of the Secretary of the Italian Socialist Party from 1976 to 1993, which took place on January 19, 2000 in his Tunisian home. 

  • Arte e Cultura

    Hammamet, l'ultimo Craxi

    Il nuovo film di Gianni Amelio, "Hammamet” racconta gli ultimi mesi di vita del leader socialista Bettino Craxi, famoso negli Stati Uniti per la Crisi di Sigonella, quando si rifiutò di consegnare agli americani i dirottatori palestinesi della nave da crociera Achille Lauro che furono cosi processati e condannati in Italia. Un Pierfrancesco Favino oltre ogni limite di resa scenica ed attoriale per mimica e cadenza della voce, nel ruolo dell’allora Presidente del Consiglio.  

    "Ma non è una biografia di Craxi” – come rivendicato dall regista. Hammamet non è un film di parte, ma un racconto di un dramma umano di chi ha conosciuto l’apice della potenza e si ritrova a fare i conti con sé stesso e quel senso di abbandono e solitudine che assale chi è consapevole che la fine è vicina. Il melodramma si impone sulla rivisitazione storica e ripiega sul travaglio interiore dell’ex presidente del Consiglio socialista, nel film non si farà mai il nome di Craxi. 

    La verità dei fatti viene lasciata fuori dalla villa di Hammamet, archiviata in un casellartio giudiziario. La caduta del re è raccontata attraverso lo scontro con la figlia che lotta per lui, Stefania che però il regista ha chiamato Anita, (Livia Rossi) come la compagna di Garibaldi, mito craxiano. Con la politica fuori dai giochi o affidati a scambi con anonimi politici, dove prevale il non detto, rimane la figura di un uomo malato, divorato dalla rabbia e da un sentimento di rivalsa nei confronti di un paese dal quale si è sentito abbandonato, lasciato solo con i suoi fantasmi e in un paese che non poteva dargli le cure sanitarie adeguate alle sue gravi patologie. Quell’Italia di cui Craxi intravede la costa solo dalla spiaggia della cittadina tunisina dove aveva trovato rifugio nel ’94.

    Il Craxi, “né esule né latitante”, di Amelio, sembra gradualmente perdere il contatto con la realtà, gridando ragioni come se fossero assolutorie e assolute. Il regista si tiene alla larga dal fornire spiegazioni del perché il segretario del Psi sia rimasto travolto dallo scandalo Mani Pulite e condannato due volte in Italia. Si astiene da giudizi su un modo di fare politica che ancora oggi suscita dibattiti feroci. 

    Preferisce una visione parziale su una figura ancora molto controversa nella storia d’Italia che potrebbe far storcere il naso a chi sperava in una qualche forma di riabilitazione e chi invece in una condanna senza attenuanti. “Ho fatto il film che volevo fare, conclude Amelio, non un pamphlet militante”. Il film, che esce in concomitanza del ventennale della morte del segretario del Partito Socialista italiano dal 1976 al 1993, avvenuta il 19 gennaio del 2000 nella sua residenza in Tunisia, è nelle sale dal 9 gennaio.

  • Art & Culture

    The New Pope by Paolo Sorrentino Comes to the US

    Presented druing the 75th Venice Film Festival, the new Sky original series "The New Pope," created and directed by Paolo Sorrentino as a sequel to "The Young Pope," is coming to the US on HBO starting January 15. 

     

    The first season followed the anxieties of a young pope, Pius XIII (Jude Law), who despite his age, imposes a conservative and radical religious approach, which simultaneously places great attention and compassion on the weakest members of sociery. In “The New Pope,” we find him in a coma and witness the rise to the papal throne of Sir John Brannox (John Paul III), a cultured and loquacious British aristocrat. 

     

    Two-time Oscar nominee John Malkovich’s Pope is very different from Jude Law’s Lenny Belardo. While Lenny was a desruptive and profoundly religious leader, Brannox is an introspective and reluctant Pope. Behind his aura of perfection lies a secret and a certain fragility that make him vulnerable to the role that he is undertaking, making people forget the charisma and work of his predecessor, who in the meantime has been declared a saint. 

     

    Malkovich stated that playing this character provided him with the opportunity to immerse himself in Sorrentino’s unique, ironic, beautiful and grandiose universe. “I’m a convinced atheist,” the American actor declared during several interviews. “But I don’t judge believers, humanity has always needed gods, someone to blame, to invoke, someone who can cure illnesses, bring an end to poverty, and, in general, to give hope to the hopeless.”

     

    Like in the first season, we find once more the Neapolitan director’s baroque touch, his notes of pop, his studied compositions, and overwhelming lighting. The costumes, the colossal reconstructions and the imposing set designs evoke the power of the Church. However, this season has a unique opening: a group of young people dancing to the beat of club music inside the Vatican. The use of nudity and music become an expressive tool to accentuate the differences between two men who are profoundly imperfect, unhappy and weighed down by the responsibility of their position.

     

    Amidst terror threats, irony, and genius narrative schemes, “The New Pope” clearly and visibly proposes an all but flattering image of the Papacy with the intent to explore our relationship with faith and with God and to understand the theatre that takes place within the Church.

  • Arte e Cultura

    The New Pope di Paolo Sorrentino in arrivo negli Usa

    Presentato in anteprima mondiale alla 75ma Mostra del Cinema di Venezia, The New Pope, la nuova serie originale Sky che Paolo Sorrentino ha ideato e girato dopo The Young Pope, arriverà negli USA il 15 gennaio su HBO. Nella prima stagione si narra l'angoscia di un giovane papa, Pio XIII, interpetato da Jude Law, che a dispetto della sua età impone uno stile religioso conservatore e radicale ma allo stesso tempo si mostra pieno di attenzione e compassione per i più deboli. In "The New Pope", lo vediamo in coma mentre assistiamo all'ascesa al trono papale di Sir John Brannox (Giovanni Paolo III), un aristocratico britannico, colto e loquace.

    Nominato due volte per l'Oscar, Malkovich interpreta il suo Papa in modo molto diverso dal Lenny Belardo di Jude Law. Laddove Lenny era un distruttore e un leader profondamente religioso, Brannox è un Papa introspettivo e riluttante. Sotto la sua aura di perfezione c'è un segreto e una certa fragilità che lo rendono vulnerabile al compito che lo aspetta, far dimenticare alla gente il carisma e il buon lavoro compiuto dal suo predecessore, che nel frattempo è diventato santo.

    A proposito del suo personaggio, Malkovich ha dichiarato di avere avuto l'opportunità di immergersi nell'universo ironico, bello e grandiloquente di Sorrentino. "Sono un ateo militante - ha dichiarato in varie interviste l'attore americano - però non giudico chi crede, l'umanità ha sempre avuto bisogno degli dei, qualcuno da incolpare, da invocare, che può curare le malattie, porre fine alla povertà e, in generale, dare speranza ai senza speranza".

    Come negli espisodi della prima serie Sky Original, anche in The New Pope, ritroviamo la carica barocca del regista napoletano, i suoi tocchi pop, i suoi disegni studiati e l'illuminazione travolgente. I costumi, le ricostruzioni kolossal e le imponenti scenografie evocano la potenza della chiesa. Tuttavia la seconda serie ha un'apertura unica: sulle note di una raffinata musica da discoteca, gruppi di giovani suore ballano all’interno del vaticano. L'uso della nudità e della musica diventano insomma il mezzo espressivo per estremizzare le differenze tra due uomini che sono profondamente imperfetti, infelici e appesantiti dalle responsabilità del proprio incarico.

    The New Pope tra minacce terroristiche, ironia e invezioni narrative geniali, restituisce visivamente e chiaramente un'immagine tutt'altro che lusinghiera del Papato con l'intento di indagare il rapporto che abbiamo con la fede e con Dio e capire il teatro che c’è nella chiesa.

  • Art & Culture

    Star Wars, Why the Last Episode Let us Down

    For Star Wars newbies, watching the latest episode can be a satisfying experience. However, long-standing fans, aficionados, the young jedis who have been following the adventures of the Skywalker family since they were little, leave the film feeling like they’ve been played. The wait is over but a feeling of confusion persists in those who feel like they’ve been deceived, though they don’t know how. 

     

    Shot on film like the two previous ones, this episode can boast impeccable visual qualities and photography. However, the plot has many problems. It’s a circus of contradictions and paradoxes running towards the final battle scene amidst time jumps and the various what ifs that stem from them. The film doesn’t provide many suprises: anything that’s somewhat coherent or at least not completely absurd is fairly predictable. It’s essentially flawed. Before you even have the time to understand what exactly isn’t working, the next mistake arrives. 

     

    The movie is a universe of new and useless characters that appear and disappear, like meteors. Rey, a young woman sensible to the Force and trained by Luke Skywalker, continues on her journey dragging Finn and Poe Dameron with her, while the last surviving members of the Resistance take on the First Order. Everyone runs. It’s the fastest Resistence in film history. 

     

    Poe (Oscar Isaac), a lukewarm character from the start, verbally attacks Rey (Daisy Ridley) because she decides to remain with Princess Leia, interpreted by the late star of the franchise Carrie Fisher, to pursue her Jedi training instead of staying with him and Finn (John Boyega). It feels like whoever wrote Poe’s dialogs has never seen an episode of the saga. And as if that wasn’t enough, everything he and Finn do, they do it badly or else it’s useless - a desperate cry goes out across the galaxies: Harrison Ford/Han Solo where are you? 

     

    Not to mention the revenant Emperor Palpatine (Ian McDiarmid) and especially Kylo Ren (Adam Driver) Han Solo’s (and Leia’s) parricidal son. After his first appearance in the seventh episode, ‘The Force Awakens,’ reknowed Italian cartoonist Leo Ortolani nicknamed him “il fregnetta,” which he remained in all three films. You end up feeling for him though because, in the end, he is also the victim of a system, of a tradition of Skywalker men who have often proved themselves unfit to be jedis. 

     

    All this leads up to a painful ending, which sees Rey emancipate herself from the old generation, and seemingly hang up her lightsabers once and for all. 

     

    “Star Wars: the Rise of Skywalker,” maybe in part due to the acquisition of Lucasfilm by Disney, feels like a “Mary Poppins” gone wrong. If we were to imagine Palpatine sing a song, the Stormtroopers improvise a dance, and a series of choreagraphed battles taking place across the galaxies it would all make sense, for both new fans as well as for those who started 43 years ago.

Pages